1949 In Rommerskirchen-Nettesheim geboren
1963 - 67 Lehre als Goldschmied bei C. Kessler, Köln
1965 Erste Holzschnitte und Zeichnungen
Lebt in Köln und Rommerskirchen

1980/81 Galerie Karsten Greve, Köln
1982 Bonner Kunstverein, zusammen mit Horst Münch (Kat.)
1983 Knoedler Gallery, London
1983 Galerie Karsten Greve, Köln
1984 Galerie Meyer-Ellinger, Frankfurt
1984 Museum Haus Lange, Krefeld (Kat.)
1985 Knoedler Gallery, London
1986 Galerie Karsten Greve, Köln
1986 Galerie Hirschl and Adler Modern,
1986 New York (Kat.)
1986 Gesellschaft für Aktuelle Kunst, Bremen (Kat.
1987 Galerie Karsten Gr'eve, Köln (Zeichnungen)
1987 Galerie Karsten Greve, Köln (Bilder - Zeichnungen - Skulpturen, Kat.)
1987 Galerie Thomas Wallner, Malmö
1988 Kulturamt der Stadt Reutlingen, Reutlingen (Linolschnitte, Kat.)
1988 Galerie Karsten Greve, Köln (Linolschnitte, Kat.)
1988 Galerie Bismarck, Bremen (Aquarelle)
1988/89 Galerie Karsten Greve, Köln (Figuren aus Keramik, Kat.)
1989 Galerie Alexander Weder, Basel
1989 Kunstverein Bochum
1990 Galerie Karsten Greve, Paris
1990 Badischer Kunstverein, Karlsruhe
1990 Goethe-Institut, London

1981 »Perspektive 81«, ART 12, Basel
1981 »Neue Sammlung«, Museum Haus Esters, Krefeld (zus. m. A. D. Christian" Felix Droese, Volker Tannert)
1982. »Documenta 7«, Kassel
1983 Galerie Anders Tornberg, Lund/Schweden
1983 »Skulptur und Farbe«, Gesellschaft für Aktuelle Kunst, Bremen (Kat.)
1984 Förderpreis des Landes Nordrhein-Westfalen,
1984 Kunsthalle Bielefeld (Kat.)
1984 Kunstlandschaft Bundesrepublik/Region Köln
1985 » Bremer Kunstpreis 8 5 «, Kunsthalle Bremen (Kat.)
1986 Museum Haus Esters / Haus Lange, Krefeld (Kat.)
1986 »Biennal of Sydney«, Sydney/Australien (Kat.)
1986 »Papier und Skulptur«, Gesellschaft für Aktuelle Kunst, Bremen (Kat.)
1987 »Wechselströme«, Bonner Kunstverein (Kat.)
1987 Galerie Hirschl and Adler Modern, New York (Kat.)
1987 »Hans von Marées und die Moderne in Deutschland«, Kunsthalle Bielefeld (Kat.)
1988 »Mit Messer und Eisen Holz- und Linolschnitte der Gegenwart«, Museum Morsbroich, Leverkusen
1988/89 »Kölner Kunst«, Kunstforeningen Kopenhagen und Horsens Kunstmuseum Lunden (Kat.)
1989 Galerie Karsten Greve, Paris

"Constant Departure" - A Corpus...
Watercolour, pencil, graphite and/or charcoal drawings, large-scale tempera, coloured pencil and/or chalk works, ceramic sculptures, linocuts, lithographs or etchings - Norbert Prangenberg uses the most diverse techniques. He works simultaneously in several media upon various supports, including writing and drawing paper, large sheets of hand wove paper, canvas, or with clay. This does not mean that he merely works on one thing or another at the same time. Much more may be inferred, observing an inner openness and mental disposition which allows nothing to limit the process of creation. To be free each moment, every instant for the impetus of a thought or an idea, for artistic spontaneity, or the play of chance means letting elements of surprise, unknown or unintended perception, observation or memory flow into the creation of a work.

It is rare to meet an artist today whose painterly, graphic and plastic work can be described in the classical sense as a "corpus". This "work", contrary to the original understanding of the term develops elementally and expands organically. However, it is stamped by the characteristic germane to the term, "corpus". In art history this describes the singular, integral, hermetic and self-contained work of medieval masters of manuscript painting, or the glass painters of Gothic cathedral windows. Such works as, for example, the Codex Egberti produced in 980 AD by the Reichenau monks, Kerald and Heribert, or the High Gothic windows of Chartres Cathedral are moulded by personalities whom we see with our modern eyes at the height of their era. In their creative work they could express and encompass a consciousness of antique and/or early medieval tradition in the context of faith and the depiction of the world and cosmos with an alertness to contemporary perception of the continously changing world view. The body of work handed down manifests a holistic entity, personality and application as homogeneous. Because the masters were hidebound by tradition, strict monastic rules and the guild system the artistic autonomy and power of expression reflected in their work makes itself obvious as an overriding attribute of the personalities who shaped it.

It is not apt to make an unsatisfactory comparison here between Norbert Prangenberg and the medieval glass and manuscript painters. Two other aspects bring Prangenberg close to these artists - the "corpus" idea, which relates to the whole of his oeuvre, and aspects of a self-awareness as an artist shaped by other criteria than the usual attitude displayed by those 'called' to be outsiders of society.

Norbert Prangeberg's works of painting, drawing, sculpture, and not least, his poetry, spring from an internal attitude and motivation free of preconception. They are forged by circumstances closer to life than the artificiality of a stylised mien and a preconceived approach. "The impetus for a work of art is always the desire to make a picture or a sculpture" (from conversations with Norbert Prangenberg, 25th March, 1984, in Museum Haus Esters, Krefeld in the catalogue Norbert Prangenberg, Krefeld 1984, P. 77 ff, especially p. 86). The decisive factor is the artist's direct interaction and involvement with the chosen material. In his draughtsmanly, often water-coloured works, for example, a network of drawn traces arises from the placing of lines which coalesce into a circle, a rhombus, a triangle or an oval. In an elemental dialogue of delicate kinetic forms and decisive graphic components an idea of content which is at first, perhaps, indefinite, is made manifest through what becomes prescribed action, and resolved form. Some works are compounded of images laid down with few, economically drawn figures, others of circumlocutions of searching, feeling or self-aware elements on their way to formal concepts. Often water-colour and water-soluble coloured pencils are brought into the aesthetic code language. Colour

lends the graphic configurations the added dimension of an atmospheric tonal sphere extending in pictorial space. Elements of composition and figures of colour often form from contrapuntal superimposition of opposing rhythms of kinetic graphics. They grow from the energy of oscillation as colours form transparent glazes, intensify or penetrate. In every work each element is imbued with the appropriate autonomous property - line as line, colour as colour, the energy of drawing, from the tenderest touch of the surface in barely perceptible diction to the energetic mark of thickly applied graphite, charcoal or grease. The substantial materiality of graphite, charcoal, grease crayon and chalk must be added, and the finest nuances of water-colour to dense superimpositions of colour, and ultimately, their supports, whether paper or canvas. Every element leading to the creation of a work of art or constituting it is represented by itself. Free and without formal pressures and dictates of surface, format or barriers they attain, by apparently the most extreme abstraction, a concrete corporeality and spiritual immanence which intone original life.

Line, shading, contour, the static and the flowing, the still and the moving combine in graphic and/or painterly intensity; set together with no apparent connection or superimposed they call forth in the work a sense of tension. Each work differs in its material substance, and an apparent sense of contradiction arises from the unpremeditated juxtaposition of opposing autonomous qualities, which become formally manifest. This gives each work an autonomy of being which is integral, individually weighted and defies comparison as it is unrepeatable. It mirrors a method of working into which sensual and spiritual needs flow as the expression of an absolute reality.

This makes clear the openess, as well as the steadfast lucidity, certainty and validity of each component of drawing or painting. Yet this is only the formal side of a creative work whereby Norbert Prangenberg crosses the conventional borders of normally decipherable subject matter.

His approach is more radical and original, and therefore more complex. Early in his career he concentrated his interest on the personality and work of Joseph Beuys. The view of the artist epitomised by Joseph Beuys and his position in relation to society makes manifest the contradiction between art and life, and spirit and matter. This contradiction, with its ideologically founded base and sociological indoctrination, is felt in a materialistically orientated world to be an existential threat. The work of Joseph Beuys springs from processes and is based on his own life. A plastic, aesthetic form is given to energies, which, like nature, reveal their social dimension in the unity of thought and action between people as the driving force behind history, cultures and societies. He pursues the question of the character, quality and function of these basic energies, so vital to the development of culture and society. In his sculptural work he sets them, rich in allusion and metaphor, in relation to those powers born of and bound to nature, the impulses of constant change, metamorphosis and reformulation of life. This process is aesthetically defined, "social sculpture". It makes known the real cultural, economic social contexts and functioning mechanisms which exist in the daily actions of people. It documents the part of the self which is alienated in the objective, reflected view of a social reality whose roots Joseph Beuys believes lie in the loss of all identity and integrity before the background of a subjective collective history. The approach is one of process, with sculptural, graphic and object related aspects bound fetish-like to the personality and own life of the artist, fragments of memories, dreams, Utopias. They invoke a more just world searching for the self lost in history, and an integrity and the power to identify.

Thus, from a deeply social concept of art, Joseph Beuys focusses human awareness; his published work and his public life as a man and an artist are the burning-glass. From bodily, spiritual and emotional energies latent in the self can be created a life of responsible form. Thoughts, feelings, intuitions convey the powers and energies which are the essential, genuine part of the actuality of his social being. Joseph Beuys presents his life as a demonstration and artistically documented concept. Art in society is seen as part of an all-embracing "social sculpture". His missionary zeal and the urge to enlighten demand strengthened confidence in individual identity as a social dimension and its intensification as socially effective energy.

The demand for a socially defined identifying consciousness in the artistic process is a challenge to Norbert Prangenberg of far-reaching consequence.

His work and his life as an artist take the existential challenge to do no less than to grasp as an integral moment the identity of art and life and to give it the spiritual and material presence of an absolute reality. This concept of being in art realised and formulated in every-day terms, in life, has consequences for Prangenberg which affect the tenor of his work and his identity as an artist.

For the outsider it is difficult to reconstruct how life might be in this concentrated state. It could be compared with the movement of a pendulum; it comes to rest finally after the broad, circulating, oscillating, rhythmic curve of movement, in one place, and stands in plumb. In such a moment of complete balance there is a kind of self-absorbed unity between 1 and it, action and being, the conditio sine qua non for a state of creative readiness and openness from which the work can take form. To work from a point of absolute repose is, of course, always a Utopia. The intrisinic, immanent tension in the work arises when attempts to reach this state are repeatedly returned to point zero.

Norbert Prangenberg voices, in this context, through one of his few titled works, the concept of "constant departure" - a vision which is also the source of his aesthetic curiosity and poetic fantasy. Apart from this, it must not be thought that the self-absorbed unity of 1 and it and action and being mean that Prangenberg works from the preconscious or unconscious. It shows, instead, the extraordinary attempt, vital and far-reaching in the understanding of his art, to work at the threshold of a consciousness where the borders between that actually perceived and an invented reality become fluid, and where also the works gain their quiet but penetrating intensity.

Norbert Prangenberg is conscious of this situation as a direct prerequisite of his work and a condition for a productivity which he finds existentially and artistically satisfying; "To crash to the abyss is the consciousness that the threshold of madness is only a very thin membrane. It is so thin that one may see through it. Possibly only a reflection of the sun shows that there is anything there separating one. You only need to take a step, and you are through. That's what 1 mean by the consciousness of the abyss or entering madness. Sometimes 1 think of my situation as like walking on a razor-blade suspended over a precipice, or along a rope which is razor sharp. 1 must cross over on this razor-blade. It is extremely perilous." (Conversation with Norbert Prangenberg, 25th March, 1984, OP cit. P. 78).

Against this background, his formal language, reduced to the geometric - the triangle, the circle, the rhombus, the square and the oval and free of meaning, through abstraction, gains intrinsic significance. Attention is totally concentrated on the composition of graphic symbols in all possible modes; the dialogue of forms and structures, the mainfold connections between pictorial elements, their texture, colour and the translucent, oscillating energy of their spiritual, physical and emotional expressive power. The spontaneous, self-reassuring creative process is guided by a knowing self-awareness and observation. Both aspects, spontaneity and the spiritual awareness of the artist regarding his actions flow into the process by which a work originates. They give it the expressive quality and statement of the "moment of experience" an absolute reality, embodied by the hand of Norbert Prangenberg. We encounter them, like his poetry, as words of art, visual fragments from lines of poetry. They tell stories without beginning or end - stories about impressions, perceptions, observations, intuition: feelings of happiness, sadness, hope and longing, of insecurity, loneliness, satisfaction, fulfilment and disappointment. They are the corporeal concrete moments of an artistic intensification and visual transformation of the present.

Prangenberg is a hermit like the artists of the Middle Ages, not only aware, in the course of his work, of himself and his senses, but also constantly renewing the quest for the original in himself, manifest in the straightforward and modest demeanour of the artist in his work.

In his plastic work, particularly in the new ceramics, this self-awareness as an artist and the notion of the unity of art and life attain another corporeal, concrete dimension. Eschewing all unnecessary distractions and irritations, Prangenberg concentrates here also on few, simple, but at the same time, complex sculptural forms. The decisive factor in his sculptural work is the chosen material - clay. This is one of the oldest materials used by man during his history of many thousands of years, and has also created some of the most significant testimonies to his cultures. Clay comes from the earth. It is a natural material which can be adapted in many different forms to the creative human will without losing its identity.

Norbert Prangenberg uses a carefully calculated combination of clay and fireclay whose properties for firing and modelling are necessary in the production of the hollow-bodied works whose large-scale, mostly oval forms are either directly made from rounds or with the help of templates. Bands of clay are applied one over another and 'welded' on the inside - kneaded and joined together at the edges. Two groups of work may be distinguished purely through size and dimension - of different height, width, weight and thickness. The smaller objects are all built by hand. The medium-sized and large sculptures are created with the aid of a wooden template whose hollow contours are used to scrape the outer walls of the object contemplated from the clay in the curvature desired.

Norbert Prangenberg has a direct physical relationship with the material, from which he develops and creates "objects like animals". He punctures the surfaces with holes, circular and square openings, the outer surfaces, although mechanically produced, are not perfect. They are impressed by the template, irregular and vibrant. Prangenberg covers them, directly, by hand, with scratches, scape-marks and slits. The organic, hermetic graphic structures have their equivalent in his two-dimensional work. As in his watercolours, drawings and large-scale colour works, Norbert Prangenberg succeeds in forming spiritual unity through autonomous aesthetic means -from the dialogue and interaction of the graphic plane with applied colour glazes, from the lines, surface openings and geometric forms with the physicality of the sculpture. The vision and actuality of the daily experienced unity of art and life finds a new dimension, a direct paradigm in the small, and particularly in the recent large coloured clay sculpture. This idea, bound to the life, thought and actions of the artist first attains form through himself. Prangenberg transforms it into sculpture. Here, the archaic and the contemporary, the emergence of human civi lization and its highest points of spirituality today, find an appropriate form, which is simple, clear and straightforward, and wherein energies working counter, together and interacting achieve autonomous corporeal expression. These sculptures present no abstract or intellectual relationships, demanding interpretation and construed in many-layered significance. They are compositions from a dialogue with the nature of the material, which is holistic - formed of the elemental, physical and spiritual. Norbert Prangenberg embodies art and life, culture and contemporary society in a concept of identity which reflects a field of tension of the most disparate theories and ideologies, scientific knowledge and research which is radically altering the future of humanity in a time of deeply reaching social and political change and upheaval.
Drawings, water-colours, large-scale coloured works, ceramic sculpture and poetry - all these are created with the impetus of spontaneity and utmost awareness. They form an integral whole in an embodiment of creativity, which is unshakeable, based within itself, and resolved from itself, from the reality of its being... "constant departure" - a corpus.

Text by Andreas Vohwinckel


«Départ pour toujours» - un corpus...
Aquarelles, dessins au crayon, à la mine de plomb et/ou au fusain, grands formats à la tempera, au pastel et/ou à la craie, sculptures en céramique, gravures sur linoléum, lithographies ou eaux-fortes Norbert Prangenberg travaille dans les techniques les plus diverses. Varié dans le commerce avec d'autres médias et sur des supports différents comme du papier à écrire et à dessiner, des feuilles à la cuve en grands formats, sur toile ou avec de l'argile - simultanément. Ceci ne signifie pas un ici et là au même moment. On peut davantage conclure à une ouverture intérieure et une disponibilité mentale de ne s'imposer aucune limite dans l'acte créateur. Être libre à chaque moment, à chaque instant pour l'élan d'une pensée, d'une idée, pour la spontanéité d'une action créatrice ou pour le hasard, c'est-à-dire insinuer des trouvailles, des perceptions, des observations, des souvenirs surprenants, non sus ou non voulus dans la naissance d'un travail.

Il est rare de rencontrer aujourd'hui un artiste dont l'oeuvre picturale, graphique et plastique puisse être décrite comme un «corpus» dans le sens classique. C'est une oeuvre qui se développe élémentairement et s'étend organiquement, contrairement, il est vrai, à la compréhension initiale du concept. Cette oeuvre est cependant marquée par une caractéristique qui est incluse dans la notion de «corpus». Celuici désigne dans la terminologie de l'histoire de l'art une oeuvre singulière, totale, hermétique et achevée d'un maître de l'enluminure médiévale ou de la peinture sur verre des vitraux des cathédrales gothiques. A l'exemple du Codex Egberti, 980 après J.C., des moines Kerald et Heribert de Rachenau ou des vitraux du gothique rayonnant de la cathédrale de Chartres, ce corpus est marqué par des personnalités qui pour notre intelligence moderne d'aujourd'hui, savaient, par rapport à leur époque, exprimer et relier dans leur oeuvre artistique la conscience de traditions antiques et/ou du haut-Moyen-Age dans le contexte de la foi et dans la description du monde et du cosmos avec un sens éveillé pour de nouvelles lumières porteuses d'avenir sur l'image du monde, comme tout, en transformation constante. Dans le «corpus» de l'oeuvre qu'ils nous ont léguée, la totalité, la personnalité et l'oeuvre en tant qu'unité sont manifestes. C'est justement parce que les maîtres étaient intégrés dans des traditions définies, des règles monastiques sévères et des corporations d'artisan que l'originalité artistique et l'intensité d'expression dans le miroir de leur oeuvre sont manifestes en tant que qualité exceptionnelle des personnalités qui les ont créées.

Il n'est pas question de faire une comparaison non autorisée entre Norbert Prangenberg et les maîtres de l'enluminure et de la peinture sur verre médiévales. Mais il y a deux aspects qui le relient à ces «artistes»: c'est la pensée d'un «corpus» en relation avec la totalité de son oeuvre crée jusqu'à aujourd'hui, et ce sont des moments d'une vision de soi-même en tant qu'artiste qui est marquée par d'autres critères que la conception et l'exhibition habituelles du marginal «désigné» de la société.

Norbert Prangenberg travaille dans son oeuvre picturale, graphique et sculpturale, ainsi que dans ses poèmes, à partir d'une attitude et motivation intérieures qui ne sont pas marquées par une intention déterminée mais par des circonstances qui sont plus proches de la vie que l'artificiel d'un geste stylisé et d'un acte artistique pétri d'intention. «Le déclencheur pour un travail c'est toujours l'envie de vouloir faire un tableau ou une sculpture» (note: Entretien avec Norbert Prangenberg le 15 mars 1984 dans le musée Haus Esters Krefeld, cat. Norbert Prangenberg, Krefeld, 1984, page 77 et suivantes, en particulier page 86). L'accès et le commerce directs avec le matériau dont il se sert sont à cet effet décisifs. Dans ses feuillets dessinés ou souvent aquarellés, naît de l'application de lignes un tissu de traces graphiques qui se concentrent en une forme circulaire, un losange, un triangle ou un ovale. Dans un dialogue élémentaire de douces formes en mouvement avec des accents graphiques décidés et résolus, une pensée, tout d'abord indéfinie quant à son contenu, se métamorphose peut-être en un acte finalement voulu d'où se détache une forme. Il y a des feuillets avec peu de figures formelles qui sont dessinées à l'économie, d'autres qui se composent d'un grand nombre de traces ludiques qui se trouvent après une longue recherche et exploration sur le chemin d'une conception de la forme. Il intègre souvent de l'aquarelle ou du pastel soluble dans l'eau dans son langage chiffré artistique. Avec les couleurs, les créations graphiques gagnent une dimension atmosphérique, sonore, élargie dans l'espace plastique. Les compositions formelles et les figures de couleur naissent souvent de la superposition en contrepoint de rythmes graphiques de mouvement opposés. Elles naissent également de l'énergie vibrationnelle des couleurs dans des glacis transparents, des concentrations ou des pénétrations. Dans tous les travaux, la ligne en tant que ligne, la couleur en tant que couleur, l'énergie graphique de l'effleurement le plus doux de la surface dans une diction à peine perceptible jusqu'à l'épaisse trace énergique du crayon ou du fusain et du crayon gras, la matérialité substantielle de la mine de plomb, du fusain, du crayon gras, de la craie et de fines touches d'aquarelles jusqu'aux superpositions compactes de couleur, et enfin leurs supports que ce soit du papier ou de la toile, possèdent une qualité autonome qui leur est conforme. Chaque élément qui conduit à une oeuvre artistique et constitue celle-ci, se représente lui-méme. Libres et sans contraintes formelles ou liens à des surfaces, à un format ou des limites, elles gagnent elles-mêmes, dans des apparitions apparemment abstraites, une matérialité concrète et une présence spirituelle de laquelle parle la vie originelle.

Lignes, hachures, contours, immobilité et écoulement, calme et agitation, reliés les uns aux autres dans une concentration graphique et/ou picturale, appliqués apparemment d'une manière incohérente les uns à côté des autres ou superposés les uns sur les autres, font surgir des tensions internes. La diversité de leur substance matérielle et l'apparition de contradictions qui sont manifestes à partir de la liaison imprévue de qualités autonomes opposées, confèrent à chaque travail une autonomie de situation tout à fait autrement pondérée, incomparable parce que non réitérable. Elle reflète une méthode de travail dans laquelle s'insinuent des besoins sensuels et spirituels en tant qu'expression d'un réel absolu.

Ainsi s'expliquent l'ouverture et en même temps l'immuable clarté, la sécurité et le caractère définitif de chaque trait graphique ou pictural. Ceci n'est cependant que le côté formel d'un travail artistique avec lequel Norbert Prangenberg dépasse les limites conventionnelles d'un contenu déchiffrable classiquement.

L'attaque de son travail est plus radicale, plus originale et donc plus complexe. Très tôt déjà, il s'intéressa de près à la personnalité et l'oeuvre de joseph Beuys. La conception de l'artiste qu'il défend, et son attitude en tant qu'artiste dans la société rendent manifestes la contradiction justifiée idéologiquement et endoctrinée socialement de l'art et la vie, de l'esprit et la matière, une contradiction qui est ressentie dans un monde matérialiste comme une menace existentielle. Avec son oeuvre processuelle liée à sa propre vie, joseph Beuys donne à ces énergies une forme artistique sculpturale qui, en analogie avec la nature, manifeste sa dimension sociale entre les individus en tant que promoteurs de l'histoire, des cultures et des sociétés dans l'unité de la pensée et de l'action. Il pose la question du caractère de la qualité et de l'effet de ses énergies nécessaires et élémentaires pour le développement de la culture et de la société.

Riche en métaphore et en allusion, il les met en relation avec ces forces reliées à la nature et nées de la nature, ces impulsions d'une modification, transformation et nouvelle figuration de la vie constantes et son oeuvre sculpturale. L'acte défini artistiquement comme «Sculpture sociale» rend intelligible des relations et mécanismes d'action sociaux qui existent réellement et que les individus rencontrent dans le culturel, l'économique et le social. En même temps, il documente la partie distanciée du moi dans le miroir de la vue objective d'une réalité sociale dont les racines sont à chercher, pour joseph Beuys, dans la perte de cette identité et crédibilité sur l'arrière fond d'une histoire subjective et collective. Les actes processuels sculpturaux, graphiques, liés à des objets, enchaînés comme un fétiche à la vie et à la propre personne, sont des fragments de souvenirs, de rêves et d'utopies, qui implorent un monde «plus juste», à la recherche du moi perdu dans l'histoire et d'une crédibilité avec une force identificatoire. C'est pourquoi joseph Beuys oriente, à partir d'une conception profondément sociale de l'art, la conscience de l'homme dans le miroir de son oeuvre publiée et de son existence publique en tant qu'artiste et homme, sur les énergies matérielles, spirituelles et psychiques qui reposent en lui-même, desquelles il peut puiser les forces pour une organisation responsable de sa vie, sur des idées, sentiments et sensations, sur ces forces et énergies qui sont une partie essentielle et non falsifiée du réel de son être social. Vu ainsi, Beuys s'adresse aux hommes avec une impulsion rationaliste dans une campagne de persuasion à partir d'une conception démonstrativement vécue et artistiquement documentée de l'art dans la société comme partie d'une vaste «sculpture sociale» afin de renforcer la confiance dans la propre identité comme «dimension sociale», la stimuler en tant qu'énergie sociale efficace.

Norbert Prangenberg tire une conséquence subjective du défi et de l'exigence d'une conscience identificatoire définie «socialement» dans un acte artistique:

Il s'agit de rien de moins, pour lui, que de comprendre en même temps l'identité de l'art et de la vie comme un défi existentiel aussi bien dans sa vie comme artiste que dans son art comme moment intégral de sa vie, et de lui donner une présence aussi bien matérielle que spirituelle en tant qu'un réel absolu.

Cette conception, qu'il réalise et forme dans le quotidien, d'un être dans l'art comme vie dans le réel, a des conséquences qui touchent les aspects du contenu de son oeuvre et son évidence en tant qu'artiste.

C'est difficile de comprendre pour un étranger ce que cela signifie de vivre dans cet état du milieu. Ce n'est qu'au moment d'un parfait équilibre, tel un pendule qui se fige enfin sur son seul point de repos, à la perpendiculaire, après de longues courbes circulaires, cinétiques, rythmiques et oscillantes, qu'un genre d'unité méditative du moi et du ça, de l'acte et de l'étre devient la «Conditio sine qua non» pour un état de disponibilité créative et d'ouverture duquel naît son oeuvre. Le travail à partir du point de repos absolu est bien sûr toujours une utopie. C'est pourquoi son oeuvre gagne sa tension interne immanente des tentatives d'une approche qui partent toujours du point zéro.

Norbert Prangenberg parle dans ce contexte, avec un des rares titres choisis pour un travail, d'un «Départ pour toujours», comme une vision qui peut être en même temps comprise comme une source de sa curiosité créative et imagination poétique. Indépendamment de cela, l'unité méditative du moi et du ça , de l'acte et de l'être, ne signifie pas qu'il travaille dans un état de préconscience ou d'inconscience. Elle décrit plutôt cet essai extraordinaire et donc essentiel pour la compréhension de son oeuvre, de travailler au seuil d'une conscience où les limites entre la réalité factice perçue et une réalité pensée deviennent perméables, où, en même temps, les travaux gagnent leur intensité tranquille mais pénétrante.

Norbert Prangenberg est conscient de cet état comme condition préalable à son oeuvre et comme condition pour une productivité qui le satisfont existentiellement et artistiquement: «La chute est conscience, que le seuil pour la folie n'est qu'une membrane, très fine. Elle est si fine que l'on peut regarder à travers. On ne voit probablement que dans le reflet du soleil qu'il y a là quelque chose qui nous sépare. On n'a qu'un pas à faire, et on est à travers. C'est ce que je pense avec la conscience de la chute ou tomber dans la folie. je pense parfois que ma situation est celle de quelqu'un qui marche sur une lame de rasoir qui est tendue au-dessus d'un gouffre, mais également sur un câble qui est aussi aiguisé qu'une lame de rasoir. Sur cette lame de rasoir, je dois aller de l'autre côté. C'est des plus dangereux.» (Note: Entretien avec Norbert Prangenberg le 25 mars 1984, op.cit. page 78).

Sur cet arrière fond, la restriction de son langage plastique formel à peu de formes géométriques non figuratives, donc libres de significations, comme le triangle, le cercle, le losange, le carré, l'ovale, entre autres, gagne une importance décisive quant au contenu. L'attention est complètement concentrée sur l'application des signes graphiques dans tous les modes possibles, sur le dialogue des formes et des structures, sur les relations multiples entre les éléments du tableau, sur leur texture, sur les couleurs et les énergies vibrationnelles translucides dans leur qualité d'énonciation spirituelle, matérielles et psychiques. L'acte artistique spontané et auto-rassurant est accompagné en même temps par une auto-perception et une observation consciente. Les deux moments: spontanéité et conscience spirituelle sur le propre faire s'insinuent dans le processus de création d'un travail. Elles lui confèrent la qualité d'énonciation d'une description d'un état du «moment vécu», un réel absolu, matérialisé par la main de Norbert Prangenberg. Comme ses poèmes, elles nous confrontent à des mots plastiques, des fragments visuels de phrases poétiques qui racontent des histoires sans début et sans fin: des histoires sur des impressions, des perceptions, des observations, des sensations. Sentiment du bonheur, de la tristesse, de l'espoir et du désir, de l'insécurité, de la solitude, de la satisfaction, de l'accomplissement et de la déception - moments matériellement réels d'une concentration plastique et d'une transformation visuelle du présent.

C'est un ermite dans le sens de cet «artiste» médiéval, et dans la poursuite de son travail, pas uniquement conscient de son moi et de ses sens, mais en même temps toujours à la recherche de l'originel en soi

Gerhard Storck: Norbert Prangenberg, in: Ausstellungszeitung Neue Sammlung. Museum Haus Esters, Krefeld, 1981
Annelie Pohlen: Farbe, Stoff und Raum - Dichte und Poesie, in: Ausstellungs-katalog Horst Münch und Norbert Prangenberg. Bonner Kunstverein, März/April, 1981
Annelie Pohlen: Norbert Prangenberg at Karsten Greve Gallery, in: Artforum, April, 1982
Gerhard Storck: Über die freie Nautik, über Seerosenbilder und »über die natürliche Magie der Einbildungskraft«, in: Ausstellungskatalog Museum Haus Lange, Krefeld, Mai/Juni 1984
Annelie Pohlen: Noli Me Tangere oder von der Fülle und der Leere. (a.a.O.), 1984
Marianne Stockebrand: Gespräch mit Norbert Prangenberg. (a.a.O.), 1984
Martin Hentschel: Gitter und Wunderdinge, in: Ausstellungskatalog Zickzack, Förderpreisträger des Landes Nordrhein Westfalen. Kunsthalle Bielefeld, Juni/Juli, 1984
Annelie Pohlen: Cosmic Visions from the North and South, in. Artforum, March, 1985
Martin Hentschel: Norbert Prangenberg, in: Ausstellungskatalog Bremer Kunstpreis 1985. Kunsthalle Bremen, Sept./Nov., 1985
Jean Francois Bizot: C'est quoi la force? C'est quoi la force, c'est quoi la beaut6?, in: Actuel, Nr. 72, 1985
Julian Heynen / Annelie Pohlen: Norbert Prangenberg, in: Ausstellungs-kata109 3 0 Jahre durch die Kunst. Museum Haus Lange, Krefeld, Sept./Dez. 1985
Annelie Pohlen: Norbert Prangenberg, in. Kunstforum International, März/April 1986
Martin Hentschel: Norbert Prangenberg, in: NIKE (new art in europe). März/April 1986
Stephan Schmidt-Wulffen. Norbert Prangenberg, in: Flash Art, Nr. 127, April 1986
Annelie Pohlen: Norbert Prangenberg, in: Ausstellungskatalog Biennal of Sydney,ig86
John Yau: Introduction, in: Ausstellungskatalog von Hirschl and Adler Modern, New York, Oct. 1986
Barbara Straka: Befreiung vom Geist der Schwere, in: Ausstellungskatalog der Gesellschaft für Aktuelle Kunst e.V., Bremen, Nov./Dez. 1986
John Yau: Norbert Prangenberg, in: NIKE (new art in europe), Dezember 1986
Stephan Schmidt-Wulffen: Spielregeln. Tendenzen der Gegenwartskunst. Köln 1987
Martin Hentschel: Die Schätze des Orients, in: Ausstellungskatalog Bilder -Zeichnungen - Skulpturen, Galerie Karsten Greve, Köln 1987
Bernd Growe: Linien ohne Ruhelage, in: a.a.O., Köln 1987
Richard Hoppe-Sailer: Prozeß und Form - Anmerkungen zum künstlerischen Konzept Norbert Prangenbergs, in: Linolschnitte 1978-1988, Kulturamt der Stadt Reutlingen und Galerie Karsten Greve, Köln 1988
Annie Bardon: Zu den Linolschnitten von Norbert Prangenberg, in: a.a.O., Reutlingen und Köln, 1988
Kirsten Ortwed: Norbert Prangenberg, in: Ausstellungskatalog Kölner Kunst, Kunstforeningen Kopenhagen und Horsens Kunstmuseum Lunden, 1988
Georg Reinhardt: Vom Schneiden in Holz und Linol. Annäherung an ein druckgraphisches Medium, in: Ausstel-lungskatalog Mit Messer und Eisen. . ., Museum Morsbroich, Leverkusen, 1988
Martin Hentschel: In meinem Innern bin ich Feuer, in: Ausstellungskatalog Plastische Arbeiten, Galerie Karsten Greve, Köln 1988/89
Thomas Deecke: Das Land der tieferen Einsichten, in: Ausstellungskatalog Das Land der tieferen Einsichten, Barbara Groß Galerie, München 1989
Andreas Vowinckel: Aufbruch für immer - ein Corpus. . ., in: Ausstellungskatalog Norbert Prangenberg, Badischer Kunstverein Karlsruhe, 1990 Stephan Schmidt-Wulffen: Zeichnungen. Über ein Dispositiv in der Arbeit von Norbert Prangenberg, in: Ausstellungskatalog Norbert Prangenberg, Badischer Kunstverein Karlsruhe, 1990