Né le 21 mars 1880 à Weissenberg (Bavière). Mort en 1965 ou 1966 à New York. XX' siècle. Actif depuis 1930 et depuis 1941 naturalisé aux États-Unis.

L'importance du professeur a souvent injustement fait négliger l'oeuvre du peintre. Il commença à étudier la peinture en 1896 avec Willi Schwartz à Munich. Il reçut alors l'influence du mouvement sécessionniste, très puissant autour de Munich, où il regroupait les tendances germaniques du Jugendstil. Encouragé par Freudenberg, il partit pour Paris, où il resta dix ans, de 1904 à 1914, y recevant l'essentiel de sa formation dans l'entourage des fauves et des cubistes, devenant tout particulièrement ami de Delaunay. Revenu à Munich en 1915, il y ouvrit une école d'art, débutant là une activité pédagogique appelée à une longue suite fructueuse. Pendant quelques années, il professa dans les montagnes bavaroises, en Dalmatie, en Italie et en France. En 1930 et 1931, à donna des cours d'été à l'université de Californie, en 1932-1933 il enseigna à l'Art Student's League de New York. En 1933 à New York et en 1934 à Princetown, il ouvrit une école Privée, Portant son nom. Il vit passer par son atelier la plupart des jeunes peintres qui devaient par la suite fonder la nouvelle école américaine. Même quand 0 ne fut pas directement leur maÎtre, on considère qu'il eut une influence sur tous les jeunes Peintres américains, et ce fut notamment le cas pour Clifford Still et Jackson Pollock.

S'il avait montré une exposition personnelle de ses peintures, à Berlin, en 1910, elle ne fut suivie d'une autre een 1931 à San Francisco, puis en 1940 au Delgado Museum de New Orleans. Puis à Partir de 1944, elles se firent plus fréquentes, sur-tout à New York, Parmi lesquelles: 1944 rétrospective de l'Arts Club de Chicago, 1949 exposition de ses oeuvres à Paris qui passa complètement inaperçue, 1954 Baltimore Museum of Art, 1959 rétrospective dans une galerie de New York. En 1960, son importante Participation à la Biennale de Venise fut peut-être l'élément déterminant qui attira définitivement l'attention sur son ceuvre propre. La même année commença, par Nuremberg, la présentation d'une centaine de ses oeuvres à travers les principales villes d'Allemagne, puis à travers des villes d'Europe. Il a également remporté des prix: 1950 de l'université de l'Illinois, 1952 de la Contemporary Art Society..

Par son enseignement, il fut l'inspirateur de l'expressionnisme-abstrait américain. Dans ses oeuvres propres, il opéra souvent la synthèse des différents mouvements européens auxquels il avait été mêlé. Il ne s'est rapproché de la liberté formelle qui constitua son oeuvre dans son individualité qu'après 1940. De 1940 à 1948, il peignit des oeuvres caractérisées par une écriture souple et nerveuse, venant de Kandinsky et Klee, et annonçant Pollock, dans le Printemps de 1940, Conte de fée de 1944, et les Cataclysmes, série dans laquelle commence à se développer une technique plus franchement tachiste, qui occupe la période suivante, de 1948 à 1955 environ, avec des peintures où des éléments très libres, très en matière, sont équilibrés par quelques surfaces planes, presque géométriques, violemment colorées mais respectant toutefois l'unité de la lumière. Coupe de ftits de 1950 et Exubérance de 1955 sont des bons exemples de cette recherche post-picassienne, à laquelle un Tal Coat se livrait en même temps en France, dans une tentative de synthèse de Picasso et de Matisse. Après 1955, l'organisation des taches colorées de ses compositions se fit plus rectiligne, plus géométrique, comme dans la Cathédrale de 1959. Débridées, à certaines périodes, plus disciplinées en d'autres, ses oeuvres sont toujours vouées à la joie, à la fête. Il écrit liù-même : «Le sens profond de tout art est de maintenir l'esprit humain dans un état de jeunesse éternelle en réponse à un monde perpétuellement changeant. L'art est destiné à contrebalancer le poids banal de la vie de chaque jour, il doit nous donner la joie esthétique constante dont nous avons besoin. » Il est à penser que cette saine tonicité de caractère devait constituer l'un des éléments non négligeables de son influence sur ses élèves, tant l'on sait surtout en matière d'art, que l'enseignement proprement dit est à peu près illusoire, et quand il ne l'est pas, devient souvent nocif, et qu'en ces matières il ne faut viser à rien d'autre qu'à communiquer une foi, qu'à faire partager un enthousiasme, qu'à convaincre à une manière d'être, bref: qu'à pratiquer une maïeutique. Son enthousiasme contagieux s'accompagnait toutefois d'un ensemble de préceptes, dégageant sur une philosophie de l'acte de peindre, que lui-même avait tirés de l'étude de tout ce qui distinguait l'expressionnisme allemand du fauvisme français, dont il se singularisait en particulier par la mise en oeuvre de notions de « tension » (Spannung). Une oeuvre, pour les expressionnistes, serait l'unité constituée par l'équilibre des tensions multiples contrebalancées par des relâchements superficiels de la forme; tensions dues à la nécessité de dépasser les objets en soi de la réalité, pour en libérer l'expressivité maximale. Un tel enseignement tendant à dégager radicalement de toutes les contingences du réel les armes d'une expressivité immédiate, spontanée, irrationnelle, inorganique, fut déterminant, en 1942-1943, dans l'élaboration du premier style reconnu de l'école new-yorkaise: l'action painting, au carrefour de l'écriture automatique surréaliste et du néo-formalisme des expressionnistes allemands. Théoricien de la notion de tension, on a souvent tendance à voir en Hofmann le théoricien du geste, ce qui est vrai, mais en oubliant que ces tensions se manifestaient pour lui également dans les équilibres instables qu'il réussissait entre de singulières couleurs acides, conciliées dans la lumière. Hofmann a tenu lui-même à distinguer deux courants parallèles dans son ceuvre : celui des peintures « peintre » (painterly) et celui des peintures «naturalistes» (naturalistic), les premières répondant à des soucis plus plastiques, matérialisés dans des formes et des matières plus définis, les autres se constituant dans des notations spontanées et non élaborées.. On l'a dit pendant longtemps l'oeuvre propre d'Hofmann fut subordonné à son importance pédagogique et ce ne fut que par le ricochet du succès de ses élèves que l'on s'aperçut de l'existence de ses propres peintures. L'âge n'avait pas atteint l'enthousiasme du précurseur de l'école de New York, et ses dernières oeuvres, éthérées et sereines, bénéficient de la même grâce qui toucha les derniers papiers collés de Matisse, la grâce de la jeunesse du coeur.
Text par Jacques Busse

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MUSÉES: BALTIMORE (Walters Art Gallery): Germania 1951 - BERKELEY (University Art Museum): The Vauguished 1959 - BUFFALO (Albright Knox Art Gallery): Exubérance 1955 - GRENOBLE (Musée des Beaux-Arts) - LONDRES (Courtauld Institute of Art) - NEW YORK (Museum of Modern Art): Memoria in Aeternum 1962 - NEW YORK (Metropolitan Museum) -NEW YORK (Whitney Museum) - NEW YORK (Guggenheim Museum).